#コミチのトリセツシリーズ

もしくはアイコンショット。 iconicとは「伝統的形式の」とか「肖像の」みたいなアイコン(絵的に象徴的かつ簡単に表現した表現)と 言われてるものと同じような意味です。

そしてショットは創作中の一部分、一瞬の姿、断片のこと。 ということで、作品中の最もインパクトある、代表的コマがアイコニック・ショットです。 「ウルトラマン」や「仮面ライダー」の変身ポーズ、「あしたのジョー」のラストのコマ。007シリ ーズの狙われた銃口の中から撃ちかえす絵面。セーラームーンのお仕置きキメポーズ、カゴに宇宙人を 乗せた自転車が月の夜空を走る「E.T.」、「ONE PIECE」の麦わら帽を預けるシーン... ......伝統的名作にはつきものの忘れ難い一瞬、作品からすぐに思い出せるシーンです。 古い例ばかり上げて申しわけないのですが、どうも最近の作品では忘れられた技術なのか、象徴的なシ ーンは少なくなっているようです。 しかし、みんなが忘れかけている今こそ、これを用意しておくことは、描き手として有益なのではない でしょうか!?

方法としては...物語の流れからその一瞬に流れ着くこともありますが...強いイメージが沸いたシーンか ら描く事で印象的な物語を作れることもありますね。 どちらにしても絵で魅せるって意識をいつも持ち続けることが大切なのではないでしょうか?

※アイコン 

ギリシャ語のエイコーンが由来、キリスト教関連の重要な例え話や画像のこと。

CLIP STUDIO PAINT for iPad の講習会がコミチで開かれました！

講師のげんちさんがとても詳しく教えてくれました。

その内容を記事にしました。

vol1では基本機能の説明を、vol2は実践編になっております！

何度でも読み返すべき永久保存版です…！ 

＜vol2 実践編＞※vol1はこちら

【原稿用紙の使い方】

・一番外の枠(裁ち切り)

製本時に印刷したものを裁断する時、数ミリのズレが生じるので余裕を持って描くスペース。

ここまで描かれてあると裁断してズレも絵が足りなくならない。

・外から2番目の枠(トンボの内側) 基本的にはここの内側までが見える状態で製本されるものとされているけど、 単行本だとそれ以上に小さく印刷されていることも多々あるので 気を付ける必要がある。 描き文字(オノマトペ)やセリフをギリギリに描いていたら 見切れるつもりなかったのに本になると見切れているなんてこともよくある。 Web用であれば気にする必要はなく、この範囲で出力すればいい。

・一番内側の枠(基本枠)

絶対に印刷に出るという範囲。

セリフはこの中に収まるように描く方がいいとされているけど少しぐらい外にあっても割と大丈夫。また、ノドの基準にもなる。

・ノド

本にした時、接着される部分。 漫画は基本的に本の左側が1ページとして始まり、 奇数ページが本の左ページ、偶数ページが右ページとなる。 そのため、奇数ページは用紙の右側、偶数ページは用紙の左側に 何か描かれていると消えてしまうため、 基本枠を基準にコマを切ることが多い。 かならず切らなきゃいけなくはないけど、 描かれていても本になった時見えなくなってしまうので 重要な情報は入れないよう構図を考える。

・トンボの外に白枠

基本枠内にとどめず裁ち切りまでブチ抜く場合にトンボまでしか絵を描かない人は線画が閉じられていないため塗りつぶしツールを使うと全面が塗られてしまうので、トンボの外側を白く塗ったレイヤーを用意することでその描き方でも線画が閉じられる。

  【アナログ的なトーン】

・基礎知識

細かい点が並んでグレーを表現したものを網トーンと呼ぶ。

黒い点の密度を線数、点が大きくなって濃くなることを濃度と呼ぶ。

一般的に密度60線(ライン、Lとも表記される)が綺麗に印刷される。 線数は数字が小さければ粗く(点が大きく)、大きければ細かい(点が小さい)。 60線で濃度10%を便宜上縮めて61番と読んだりする。(60L/50%=65番、等)

同人誌では85線を使う人も多い。 理由としては雑誌はA4サイズで描いたものをB5サイズに縮小するのに対し 同人誌はB5サイズで描いたものをB5サイズで印刷する(原寸)ので トーンの目自体を細かくした方が綺麗だから。 マンガQは原寸指定なので85線の方が綺麗かも。

また、手前にいる人やアップになっている人に差を付けるため32.5線等の 粗い線数のトーンを使う人もいる。濃度は真っ黒を100%とした時の薄さ。 一般的に5%~50%の範囲内で使い、それより濃いものはベタで表現する。

2種類のトーンを重ねて貼る時は、同じ線数で揃え、 トーン柄移動ツールを使って目をズラす必要がある。 例えば61番と63番を重ね貼りする時は、61番より63番の方が目が大きいため 61番の上にちょうど被さると点が消えてしまう。 なので61番の柄を移動して見えるように貼ることで63番と61番を重ねることができる。

・ぼかし削り

網トーンは通常、キャンバスに対して45度の角度で貼る。 すると0度、45度、90度の角度で線を引いて(削って)も トーンを避けて引かれることになり、トーンが消えない(線が引けない)。 なので22.5度(45度の半分)の角度で線を引くことで トーン上に線が描けるので、その4方向でカケアミを作ってボカす。

逆にトーン上に0度、45度、90度の線を引きたい時は トーン自体の角度を22度にすることで綺麗に線が出せる。

プリインストールされているブラシの「カケアミ(トーン削り用)」は その理屈で作られているけどブラシ先端自体すでに22.5度の4方向で描かれているため ゴリっと削れるのでボヤっと削りたい人はブラシを作ってきたので必要であればどうぞ。 素材を探す→「こしのりょう」で検索すると出る「アナログ風削り」がそれです。 ダウンロードすると素材パレットのダウンロードに保存されているので サムネイルを好きなところにドラッグすると使えるようになる。

  【デジタル的なトーン】

デジタルになってから中間色の情報が使えるようになったので出てきた表現方法。グレー処理と呼んだりする。

考え方としては、色を塗るかようにブラシツールやボカシツールを使って濃淡をつける。

例:テラフォーマーズのゴキブリやガンツのガンツスーツなど

アナログだとグラデーションは直線的か正円的な2種類だったけど グレーでは自由自在にでき、アナログのようなぼかし削りをすることなく 直接ぼかすことができる。 また重ね張りをして濃淡をつけることもないので レイヤー数が最低1枚で済む。

Web用であればそのままグレーで書き出しすればいいし、 印刷用としてもレイヤープロパティのトーンアイコンを押すか 書き出し時に「モノクロ二階調(トーン化)」で自動的にトーン化してくれる。

【Web公開時のモアレ対策】

トーン状態で書き出した場合モニタ上で見ると模様のような状態になりやすい。これをモアレと呼ぶ。

単色で塗りつぶした場合のグレーのノッペリした感じが嫌で多少トーンっぽくドットが欲しいけどモアレたくもない、という人向けのやり方。

1.仕上げまで終わったファイルを複製する。 2.トーンのレイヤーのみを全て結合する。 3.結合したレイヤーの表現色をグレーにする。 4.メニューのフィルター→ぼかし→ガウスぼかしを選択。 5.数値を8ぐらいにしてOKを押す。 6.書き出し時の表現色をグレースケールにして書き出し。

こうすることで線画とテキストは二値のまま、トーンだけぼける。

パッと見グレーで描いて出力したものと変わらないけど、気持ちトーンのドットが残りつつモアレを起こさない画像ができる。

 【効率化】

基本的にはショートカットキーをフルで多用。

キーボードを接続して初期設定を覚えるでもいいし、好きに設定するでもいい。

クイックマスクは多用するけど初期設定では設定されていないので使いやすいものに設定するといい。

iPadの場合タッチジェスチャーがあるのでそちらを設定してもいい。 初期設定では二本指タップで戻る、三本指タップで進む。 環境設定で好きに変更できる。

また先述のクイックアクセスによく使うツールやメニューを登録するのもオススメ。 慣れればキーボード無しでも早くなれるけど、 Shiftを押しながらできることが多い(正円や正方形、複数選択等)のと セリフ入れはブラインドタッチできる人ならキーボードの方が早いので キーボードはあった方がいい。

・オートアクション

操作を録画する機能。ネトゲでいうマクロ。

例えば 「レイヤーから選択範囲を作成→選択範囲を拡張→レイヤーを新規作成→下に移動 →白色で塗りつぶし」 と録画して置けば文字の白抜き等をボタン1つですることができる。

やり方はウィンドウ→オートアクションでパレットを出し、 Ξでボタンモードにチェックが入っていたらチェックを外し 「オートアクションの追加」をクリック、 一番下の赤丸を押してから操作し、終わったら赤い四角をクリック。 録画ができたらボタンモードにチェックを入れると録画した作業がボタンになり クリックすることで一連の流れができる。 これはクイックアクセスに登録可能。 (何もないところを長押ししてクイックアクセス設定のオートアクションの項)

・ブラシサイズ

Ctrl+Altを同時押ししてキャンバス上でペンをドラッグすると ブラシサイズを感覚で変更できる。 線画のペン入れは決まったサイズで入れた方がいいけど、その他の処理の時に多用する。 環境設定のツールの項で 「キャンバス上のドラッグによるブラシサイズの変更時、現在のサイズから開始する」 にチェックを入れる/入れないでやり方が変わるので好み方を。

  【事前アンケートの回答】

・他のデバイスとの簡単な共有 クリップスタジオを起動(メニューの左端のマーク→CLIP STUDIOを開く)し、 ログインして作品管理でクラウドに同期。 他のデバイスで開く時は同じIDでログインして作品管理のクラウドでダウンロード。

・トーン処理やカラーの効率化 塗りつぶしツール/囲って塗るツールをマスターする。 他にも長方形選択や投げなわ選択、自動選択を使って ざっくりと選択したのち、クイックマスクで修正して選択範囲を作ってから 塗りつぶす、等。

・iPad版ならではの時短術 iPad版とPC版の違いは直接スキャンができないことと直接印刷ができないことぐらいで ならではというものは特にない。強いて言えばタッチジェスチャーを使うこと。

・ペン入れのコツ

ブラシサイズを決めて筆圧で描く。太いところ、細いところ、抜き等でメリハリを付ける。

(松本大洋先生や大友克洋先生のようにメリハリのない線でカッコいい絵を描く人もいるのでそうしなければならないわけじゃない)

・アナログでの漫画の創作は必要なくなっていくのか、これからのデジアナの住み分け

アナログにこだわる理由としては、描き心地と現物があること。例えば個展を開くときはデジタルの印刷物より生原稿の方が好まれる。生原稿でなく印刷物である雑誌、単行本は作者の拘り次第。

アナログでないと出せない味、迫力は確かにあるのでそれが必要か否か。住み分けはしなくていいと思う。

アナログでできてデジタルじゃできない要素としてはトーンを削る時にカッターを寝かせてボカして削るような削り方ができない、インクに息を吹きかけてランダムに散らすことができない、等。

・どうすれば効率よく絵や漫画を描けるか

ショートカットキーを身体にしみこませて、常に頭をフル回転させて、どうすれば早くなるかを考えながら作業する。この講習で紹介した以外にもある全てのツール、機能で何ができるかを把握しておくと応用が効く。

・iPadでの使いやすいワークスペース

一例として カラーサークル、レイヤープロパティで1列、 レイヤーで1列、 サブツール、ツールプロパティ、ブラシサイズで1列、 ツールで1列、 別窓でクイックアクセスを手を置いてるところに、 素材パレットの表示をショートカットキーで設定しておき 必要時にのみ表示させる。

・誤作動対応

小指を覆う手袋をする。修飾キー設定のペン・ジェスチャーのロングプレスを「なし」に。

・おすすめのペンや筆 プリインストールのリアルGペン、こしの先生の名前でアップしたトーン削りブラシ、 ランダム点、かけあみ削りもや、雲マルチPブラシ、もや汚しブラシ(素材で検索)。

・おすすめのショートカット

基本はあまり弄ってないけど追加で言うと Ctrl+Mでクイックマスク(クリスタの前身コミスタの流れ)、 全てのトーン領域を1、選択中のトーン領域を2、 メインカラーを4、サブカラーを5、透明を6。 (数字はテンキー使用) タッチジェスチャを使わずキーボードだけで拡大縮小回転表示をする時は PageUpで拡大、PageDownで縮小、Rで回転を設定。

・描き文字に使いやすいペン、素材 素材検索で「文字」と入れてブラシに絞って検索してお好みのブラシをどうぞ。

クリスタについて理解は深まったでしょうか？今まで使っていなかった機能を知ったり、疑問が解決されたりしたでしょうか？

少しずつクリスタを使いこなせるように、頑張りましょう！

・４章　細い線をしっかり出すには

――冒頭の「理想の原稿」のお話で、「大きさは原寸」「解像度は600dpi以上、主線の太さは0.3mm以上」という条件がありました。ここについて、具体的に教えてもらいましょう。

Ken太郎　はい。理想をいうなら、最初から出版物とまったく同じ原寸サイズで描くことです。漫画雑誌の多くがB5サイズなので、昔からあるプロ用のB4原稿用紙、またはデジタルでB4を設定して描くと、実際は製版時に83％縮小されます。そこからさらに、文庫本になるときは65%の縮小がかかる。このため、あまり細い線は縮小するときに消えてしまうリスクがあるということを、念頭に置いていただければと思います。そうならないようにこちらでも解像度を押し上げていますが、原寸サイズに近い方が、縮小のリスクが減ります。また、主線が0.3mmというのは線が消えない目安になりますね。

ひうら　照れ線（恥じらっているときに頬に出る線）などで、0.3mmよりも細い線を使う場面があります。0.1mmとか……。少女漫画は特に多い。稚野先生も細いでしょう。 

稚野　髪の毛線とかは、相当細いペンで描いてます。こういうの、飛んじゃうんですか。 

うめ小沢　アナログの丸ペン何mmというのと、デジタルの世界でいう0.3mmとは、考え方が全然違いますよね。デジタルだと、最終的にピクセルで考えるので。 

Ken太郎　まさにその通りで、最終的に7ピクセルあれば、印刷でしっかり出ます。3ピクセルになると保証できないというのが、現場の感覚です。 

稚野　それって結局、どう描けばいいんですか……？ 

Ken太郎　デジタルで描いて、絶対に細い線も最後まで残したい！という方は、原寸サイズ、解像度600dpi以上で画像データを作成し、ペンの太さが0.3mmあれば、縮小しても確実に線が出ると思ってください。ただ、それより下げると出なくなるというわけではありません。これは同じ環境で0.15mmにしたもの。すると4ピクセルになりますが、まだ出ています。実際は1ピクセルでも、インクの乗り次第で、出るときは出る。印刷の状況も関係するから、ピクセルだけで絶対に「出る・出ない」とは言い切れませんが、7ピクセルあれば心配ないということです。 

＜600dpi_line＞

おかざき　私はまさに、デジタル原稿は600dpi、主線は0.3mm、モノクロ2階調で入稿しています。

Ken太郎　1つ知っておいていただきたいのは、作業環境を1200dpiに上げれば、細い線まで使えるようになること。実際、僕らは600dpiで来た原稿を1200dpiに押し上げて作業しているわけですから、細い線を使う方は最初からその環境で描けばスムーズにいくんじゃないかと……。

＜1200dpi_line＞

おかざき　なるほど。私は線が細いと思われているんですが、書き込みが細かいだけで線自体は結構太い。だから今のところ、600dpiで描くのに特にストレスは感じていません。

うめ小沢　書き込みが多いと、黒い線に対して間の白い線がたくさん発生しますよね。そうすると、線の太さに関わらず、1200dpiのほうが印刷できれいに出るということはありませんか。

おかざき　うーん。実際、どうして1200dpiで作業しないかというと、iPad Proだとすごく動きが重くなるからです。レイヤーを重ねたりする作業にいちいち時間がかかるので、正直1200dpiには上げたくないですね。

Ken太郎　そういう理由であれば、無理に1200dpiにする必要はまったくありません。実際、いま扱う原稿でいちばん多いのは、B４、600dpiの環境で入稿される原稿です。それを83％縮小し、僕らのほうで1200dpiに押し上げるやり方で問題はない。ですから、まず描くときのハンドリングの良さを重視していただき、もしご自身で細い線を作りたいと思えば、1200dpiの作業環境にする。それくらいの認識で構わないと思います。

４章まとめ

・原稿は印刷物に対して１：１の原寸に近いほど、線を再現しやすい

・解像度600dpi以上、ペンの太さが0.3mmあれば、線がかすれにくい

・版が変わるときの縮小率も意識しよう

・５章　結局、どういう入稿がいいの？

――そのほか、入稿時に迷うことはありますか。

上田　見開き原稿の作り方について、教えてください。見開きのページを描くとき、どこまでノドを取ればいいのか迷う人は多いと思います。最近は見開き自体が減ってきたと思いますが、それでも目立たせたい場面では使いますよね。これ、ずっと正解がわからなくて……。いっそのこと世界標準とかを決めてほしい！（笑）

Ken太郎　アナログ原稿では、ノドを取らずに1枚絵にして描いてもらうのが、いちばん動かしやすい。もちろん、片面ずつで入稿していただいても調整できますが。

おかざき　それはデジタルも同じですか。漫画家さんによっては、見開きを横長の画面でくっつけて入稿する方がいますよね。それは、製版で片面ずつ切り離すんですか。

Ken太郎　版下を作るときは、切り離さないです。見開きのページを作って、偶数ページと奇数ページに同じ原稿を貼る。そこから少しずつずらして、ノドの位置などを調整します。

おかざき　クリスタだと、一括書き出しをするときにどちらかを選ばなきゃいけない。編集の方から以前、「見開きと片ページを混在して入稿すると、印刷所が混乱するからやめてください」って言われたことがあります。

Ken太郎　編集さんが出力見本をつけてくれれば、解決しますね。あとは校了時に全体を確認するはずなので、ページの位置を間違えるというのはあまりないと思いますが……。

青木　クリスタの作業なら、見開きで描いて、片ページとして書きだす機能が便利ですよ。つなげて描いた原稿を、ちょうどノドの部分は隣と5mm分重なるように、片ページずつにしてくれるんです。

Ken太郎　へえ、これは便利ですね！ちゃんとノドまで考えてページを分けて出力してくれるのであれば、このやり方が製版的にもいいと思います。

うめ小沢　別の質問をさせてください。デジタル入稿の場合、セリフはどういうデータで入稿されるのが、製版にとってやりやすいですか。

Ken太郎　いちばん助かるのは、下絵とテキストデータをそれぞれいただけるパターン。ただ、セリフは手書きで届くこともあります。その場合は編集さんからフォントやQ数の指定があって、それを参照しながら僕らが入力する。

うめ小沢　手入力だと、どうしてもヒューマンエラーが発生しますよね。打ち間違いがあったらどうするんでしょう。

Ken太郎　それはさすがに、校了時に編集さんがチェックしてくれます。僕らが打ったセリフがそのまま印刷されるわけではありません。原稿がギリギリになる場合は、「ネーム先行」といって下絵だけが先に来ます。それでデータ作りを進めて、確定したらセリフを入れる。ただ、ネームからかなり変更が多い漫画家さんもいらっしゃるので……。そういうときは苦労しますね。

うめ小沢　最近僕は、特に広告の仕事の場合は、psdで入稿してセリフだけを変更可能な別レイヤーにして入稿しています。

青木　それはクリスタだとできないなあ。レイヤーを分けることはもちろんできるけど、「編集可能なもの」という分け方がないから。だから僕が入稿するときは、psdの画像とテキストデータ、あとセリフ付きの画像をjpegの小さい画像データでつけています。

K野　それで十分ですよ。Photoshopデータとテキストデータがあれば、レイヤーまで分けなくても作業できます。

――「理想の原稿」に出てきた、「塗り足し6mm以上」について、もう少し伺っておきたいです。

Ken太郎　そうですね。製版の現場からすると、塗り足しは重要です。主要雑誌掲載のあとにコミックス、文庫になるなど、印刷判型が変わった時に塗り足しがないと、不本意な拡大、現場でのトーンの書き足しなどが必要になってしまいます。これは作品に手を加えることになってしまうので、できればやりたくない。特に新書版になると結構判型が変わるので、足りない部分が出てきます。

＜B4原稿と新書版＞

Ken太郎　なので、出版される本の判型の塗り足し（どぶ、ミーリング幅）より6mm以上はほしい、というのが僕からのお願いです。ぜひ、トーンを多めに貼っておいてください！

おかざき　でもそれは、トーンの大きさが物理的に足りなくて、貼れないことが多い。市販のトーンって、そんなに大きくないんです。1枚で塗り足し分ギリギリか、足りないくらいのときがありますね。

Ken太郎　なんと、そうなんですね……。今日はトーンを作っている会社にも、来てもらうべきでしたね（笑）。トーンをいっぱい継ぎ足してあって、「つなぎ目自然にしてください」とか書いてあるんですけど、それはさすがに無理です。できる範囲でいいので、足さずに1枚で、広めにトーンを貼っていただけると。あと、意外とみなさん知らないのは、入稿の際にトンボや作品情報が入っている原稿。それらは全部製版の段階で消してます……。実はノンブルも消してます。それは外すわけにいかないと思いますが、作品情報とかは、できれば書かずに入稿してほしいですね。

会場　なるほど〜。

おかざき　昔と違って、製版屋さんの仕事は増える一方ですか。

Ken太郎　そうですねえ。写真製版時代は写植屋さんがいましたけど、いまはほとんどが無くなってしまいました。その分の作業を誰がやっているかというと、僕ら製版なんです。最終的に文字のQ数が合っているかを見たり、セリフの校正もしたり、印刷前の責了以降の最終確認は製版が行います。

おかざき　そんなことまで。製版の負担が増える一方ですね。入稿する出版社や編集部によって、作家サイドがネームを書き出したりおまかせだったり、バラつきもあります。出版社によってネームに対する決まり事もバラバラですね、改行とか句読点とか。

Ken太郎　僕の認識では、いまはデジタルへの移行のまさに過渡期で、それゆえの大変さがあるんだと思います。もっと時間が経てば、アプリケーションももっと使いやすく、人間的になっていくでしょう。それまでの間は、どうしても　複雑なこと、面倒なことが増えてしまう。そんな中、例えばアナログで原稿を描いている方にも、デジタルに移行したばかりの方にも、もっと技術周りのサポートがあるといいのかなあと思っています。

ちなみに、今日申し上げたやり方はすべて、あくまでも僕個人が感じている“理想”です。編集部や印刷所によってやり方が異なるので、まずはお仕事している先の入稿要項を確認してもらい、現場の方と一緒にいい方法を探っていただければと思います。

最後になりますが、漫画家さんのお仕事はあくまで、面白い漫画を描くことです。そうやってできた原稿がきちんと印刷に反映されるように、僕たちは日々がんばっています。ぜひ、そんな製版のプロセスも知っていただき、業界全体で作品のクオリティーを上げていければと思います。そのためにも、今回のように漫画家と間に入る編集者、製版、印刷それぞれの現場が、コミュニケーションをとっていくべきだなあと改めて認識しました。今日はお忙しいところ、ありがとうございました。

５章まとめ

・見開きは1枚絵で描いていい

・塗り足しは6mm以上あれば、判型が変わっても絵が足りなくなりにくい

・セリフは絵と別にテキストデータで入稿が理想

・付録　漫画製版Q＆A

Q：コマ枠線からはみ出して主線を描きたいとき、デジタルでの設定はどうすればいいですか？

A：クリスタの場合は、「コマ枠フォルダ」というのがあります。その中にレイヤーが入っていると、マスクが効いてコマ枠の外に主線がはみ出ない。だから最初からはみ出したくないという人は、このフォルダにレイヤーを入れるといいです。欄外にコメントを入れたり、のびのびと絵を描きたい人は、このフォルダを使わずに描き、あとで消すといいでしょう。ちなみに、コマ枠自体を消したいときは、枠線をラスタライズしてベクターにする。そうすると、絵がはみ出した部分の枠線だけを消すことができます。

Q：ラスターとベクターの違いがどうしてもわかりません。

A：画面で見たとき、ラスターとベクターの線はほとんど見た目が変わりません。しかし、2つの線はそもそもの成り立ちが違って、ラスターはピクセル（点）の集まりで構成されていて、ベクターは１本１本の線を計算式で表しています。青木俊直さんいわく、「ラスターは砂に指で絵を描く。ベクターは紐で絵を描く」イメージです。

おそらくデジタル画面で馴染みがあるのは、ラスターでしょう。複雑なグラデーションを表すことができ、色を塗る際に便利です。しかしピクセルの集合なので、拡大すると画像が劣化します。修正の際は、消しゴムで該当部分をゴシゴシこする細かい作業が必要です。

一方、ベクターは紐のようなものなので、線全体を消すとか、重なっているところだけを消すといった、指定範囲を一気に消す作業に向いています。Illustratorを使ったことがある人は、その線を思い浮かべるとわかると思います。ただしベクターは、線としての編集能力は高いが、色を塗れません。ベクターで作った線の中に色を塗りたい場合は、レイヤーを重ねてラスターの階層を作り、そこで塗りましょう。

Q：漫画制作ソフトの主流である「クリスタ」と「コミスタ」は、どういう違いがあるのですか。

A：どちらも、セルシスという会社が作っているソフトです。コミスタは2015年に販売が終了され、現在はクリスタが主流ですが、まだ移行していない方も多いでしょう。新しくなった「クリスタ」では、先ほどの質問であったベクター線が、ペンだけでなくブラシで使えるようになっています。また、本文にも出てきたグレースケールと網点化の切り替えがボタン1つで素早くできるようになりました。「印刷用」「電子書籍用」という原稿が作りやすくなったので、ぜひ今回出てきた話を参考に活用してください。

こうしたソフトを使う際、基本的なことですが気をつけたいのが、初期設定を覚えておくこと。漫画家さんは重いデータを扱うので、パソコンが落ちるといったトラブルもあるでしょう。そのとき、ソフトをインストールし直して初期設定が崩れると、描いていた原稿のデータがめちゃくちゃになってしまいます（実際、Ken太郎さんはそういう相談を受けたことがあるそうです）。「そんなこと」と思わず、きちんと初期設定をメモしておきましょう。

・３章　アナログ原稿って、滅びますか？

上田　あの、突然なんですが……。アナログ原稿って、滅びますか？

会場　（笑）

上田　いえ、真剣な問題なんです。私は未だにすべての原稿を手描きです。デジタルに移行する方がいいかな？と思いながらも、実際は断然アナログの方が早い。しかも日々、原稿を描くスピードを更新しているんです。

会場　おお〜！

稚野　私も、いま漫画業界で4％以下と言われているフルアナログの1人です（笑）。次の一歩を踏み出したいとは思っていて、iPad Proを買ったんですけど……（と、箱を取り出す）。今日初めて、段ボールから出して持ってきました。

会場　（笑）

上田　大手出版社のアプリで漫画を連載しているんですが、アナログで描いているのは私だけ。技術もスピードも上がってきているけれど、作業される方にとってはアナログって邪魔になっていくのかなあ、とつくづく考えてしまいます。私自身はアナログを捨てる気はないのですが、将来、デジタルの作画を誰かに頼むとか、そういう可能性も考えておくべきでしょうか。

Ken太郎　個人的な意見ですが、アナログ原稿が滅ぶってことはないと思います。ただし、困ることがあるとしたら、専用の設備を揃えた会社が少ないということです。代表的なのが、スキャナー。僕が仕事先で使っているスキャナーは200万円くらいするもので、相当精度が高い。最近はデジタル入稿が増えて、スキャナーを必要とするものが減っているんです。だから業務用のスキャナーはなかなか安くならない。さらに、製版には高価なRIPも必要。そうなると、昔よりアナログ原稿を入稿するための設備をそろえるのが大変なわけです。

上田　やっぱり、滅ぶんじゃないですか……？

Ken太郎　大丈夫だと思います（笑）。ただ、確かにアナログをデータに変換する手間とコストは、デジタルよりも大きい。それを知っていただくのはいいことだと思います。せっかくなので、アナログ原稿をどうやってデータ化しているか、お見せしましょうか。まずはこうやって原稿1枚1枚に、ずれないように貼ってはがせるテープを貼ってスキャンします。

＜スキャン動画からキャプチャ＞

Ken太郎　アナログ原稿は、スキャンした時点で二値のデータになります。さらにここから、データをモニタ上で拡大表示してゴミを見つけ、取り除く作業に入ります。僕たちは表面のゴミだけじゃなくて、トーンを貼ったときに生じる、原稿とトーンの間のゴミも取っています。時々、トーンを絨毯の上に落としたかな？と思うくらい、埃がすごいことがあります。こういうゴミ取りは大変なので、トーンを床に落とさないように気をつけていただきたいです（笑）。

あと、ホワイト（修正）を重ねると、その場所が盛り上がって影ができる。これは消さなきゃいけないので、ゴミ取りのときにはまずホワイトの場所を探しますね。こうやってデータを整えていき、アナログ原稿の場合、デジタルデータに仕上げるのが通常のやり方です。

稚野アシスタント　昔、ホワイトの上にトーンを貼ると影ができるから、やらない方がいいと言われたことがあります。最近は時々やっても影になってないと思っていたんですが、もしかしてあれは……。

Ken太郎　おそらく、製版時に消しているんでしょう。露光をめちゃくちゃ上げてホワイトが飛ぶようにして、トーンを残した状態で一旦スキャンする。そのコマだけをもう一度露光を変えてスキャンし、切り貼りすると影が消えます。その過程でトーンが消えることはないですが、線が少し細くなっているかもしれません。まあまあ、大変な作業です。

おかざき　それにしても、上田先生の原稿、なんて美しい。

＜上田先生のアナログ原稿＞

Ken太郎　アナログ原稿の良さって背景ですよね。細かい描き込みに、作家さんの熱量が表れています。

上田　ぜひ、畳の線を見てください（笑）。

おかざき　私も背景とか、細かい描写をペンで描き込むのが大好き。できるだけ早くネームを仕上げて、作画の時間をじっくり取りたいといつも思います。

Ken太郎　上田先生の原稿は、基本枠がはっきりしているので、デジタルに変換するときに中心を合わせやすい。紙幅に対して、どこが基本枠かが曖昧な原稿は、結構困ります。デジタルの場合も同じで、基本枠の位置をしっかり示してほしい。いちばん助かるのは、入稿時に1枚、原稿に基本枠だけを入れたガイドラインをつけてもらえることです。ほかの原稿にそのガイドラインを当てはめて作業すればいいので、僕たちは迷わなくて済む。ちょっとしたことですが、気をつけていただけると作業がスムーズになります。

また、線が太くしっかりしていると、スキャンする際のしきい値を上げやすい。しきい値を上げるとよりクリアに原稿を読み取れ、かつゴミや鉛筆の下書きなどを拾いにくい。もちろん作風にもよりますが、これも製版時に作業しやすい原稿といえます。

＜おかざき先生のアナログ原稿＞

Ken太郎　おかざき先生の原稿も見てみましょう。ここでは、アシスタントさんへの指示に水色ペンを使っていますね。これは、2値化のときに飛ばせる色なので助かります。困るのは、藍色のペン。時々、使う方がいるんですが、藍色ペンって実は曲者なんです。なぜなら、２値化したデータにはっきり写るから、僕らが消す作業をしなきゃいけない。昔、写真製版の時代はカメラで青い線が飛ばせて、いまもその名残で指示に藍色ペンを使う方がいらっしゃるんですが、正直、画像を拡大して1つ1つの線を消すのが大変です。ぜひみなさん、指示出しは藍色ペンではなく、淡い水色のペンで弱い筆力で書いてください。それだけのことで、製版の仕事が1つ減ります！　そうだ、ついでにこれも聞きましょう。アナログのみなさん、「白いグラデーショントーン」って、使いますか？

会場　（ちらほら手が上がる）

Ken太郎　いや、もちろん表現手段の1つですから、「使わないでください」なんて言いません。ただ、あのトーンは下の絵柄が写り込むんです。スキャンすると、はっきりと。だから、これをデータ化するのは、薄墨の上のトーンを処理するのと同じくらい大変なんですよね……。

なかはら　原稿用紙で描いて失敗したときに、切り貼りして修正する場合もあると思うんですが。そういうツギハギの原稿って、製版屋さんからすると「ふざけんな！」って感じですか？

Ken太郎　いや、そこまで思いませんよ。ただ、「立体漫画が来た」と……。

なかはら　（笑）

うめ小沢　原稿用紙1枚って0.2〜0.3mmってとこかな。それが重ってどんどん厚くなる。

Ken太郎　大変なのは、スキャンですね。重なった部分が影にならないよう、角度を工夫したり。

おかざき　私、「立体漫画」作っちゃったことある！　ネームから原稿を大幅に変えたら、左右のページが逆になっちゃったんです。それを切り貼りしているときに、寝ぼけて間違ったのでもう１回やり直して。最終的にできた原稿をコンコンってそろえたら、いつもの倍くらいの厚みになってた。

うめ小沢　途中で寝ぼけたのが、罪作りだなあ（笑）。

おかざき　あのときは悪いことしちゃった。そういえば末次先生は、早い段階から作画にPhotoshopを導入していましたよね。その後、どうされていますか。

末次　実はそのころから、まったく変わっていなくて。一時はデジタルを増やそうと思っていたんですけど、『ちはやふる』で原画展をやることになって。そっちを優先していたら、デジタルに移行する時間がなくなってしまったんです。アナログで原画を描く作業と、デジタルとでは、使う能力やアプローチの仕方が全然違う。原画はやり直しがきかないから、頭の中でどういう構図にするかを組み立ててから描くし、どうしても時間と集中力が必要です。そういう感覚は、デジタルにないですね。

おかざき　着物の柄を描くのも、大変でしょう。

末次　ちまちまと描くのは、時間があれば楽しい。やっぱり原画があるのはいいなと思っていて、どんどんデジタルが後回しになっています。

Ken太郎　原画、いいですよね。僕も好きです。個人的には、アナログ原稿が届くのはうれしいです。製版の仕事で「漫画を作っている」という実感が湧くのは、アナログの方ですから。アナログとデジタル、どちらの良さも、きちんと引き出せればと思っています。

上田　ありがとうございます！

３章まとめ

・トーンを貼るときのゴミに注意しよう

・アシスタントへの指示は「藍色」でなく「水色」のペンで！

・デジタル原稿は「基本枠」がわかるように、ガイドラインを1枚つけよう

マンガQ第３号への投稿、ありがとうございます。

漫画家さんたちがより制作に集中できるよう、入稿の手続きをまとめました。

Medibang Paint、CLIP STUDIO PAINT for iPad、CLIP STUDIO PAINT を解説していく予定です。

ぜひ参考にしてください！

このページではCLIP STUDIO PAINT (PC版) での入稿方法を解説します！

1. CLIP STUDIO PAINTを立ち上げ、ダウンロードしたフォーマット(psdファイル)を開きます。

このように自動的にCLIP STUDIO PAINT に読み込まれます。

2. 基本線(内枠)をつけます。【編集】→【キャンパス基本設定を変更】を押してください。

※内枠とは…この線より内側が製本した際に読みやすい場所のことです。内枠よりはみ出して描くと製本をしたあとに切れてしまったり、綴じられて見れなくなってしまう事があります。

3. 単位を[mm]にします。

4. 基本表現色を[モノクロ]にしてから（この時すぐ横にある黒と白のボックスがどちらも選択されている(青くなっている)ようにしてください）「漫画原稿設定」にチェックを入れます。

裁ち落とし幅を[3.00]、基本枠(内枠)の幅を[150.00]、高さ[220.00]に変更します。

このように基本線(内枠)が設定されました。（赤い点線の部分です。）

トンボも設定されています。

※トンボとは…原稿用紙の上下(天地)左右、および四隅などにある線のことです。印刷物を作る際に、印刷するときの位置合わせや、断裁(印刷紙のいらない部分を切り落とすこと)の時の目印にしたりします。

5. 原稿を描きます。

6. 書き出します。【ファイル】→【画像を統合して書き出し】→「.tif(TIFF)」を選びます。

7. ファイル名「タイトル, ページ数」をつけます。

8. 出力イメージに「テキスト」がチェックされていることを確認してください。

表現色は「モノクロ２階層」にしてください。

9. 出力サイズは「元データからの拡張率」が「100％」になっていることを確認してください。

また、拡大縮小時の処理を「コミック向き」にチェックしてください。

10. プレビューが表示されます。

「OK」を押して書き出しが完了します。

これで一枚が完成しました！お疲れ様です(^｡^)

・２章　漫画家を悩ませる「モアレ」の原因 

――次は、漫画家さんたちを悩ませる「モアレ問題」について聞いてみましょう。これはトーンの貼り方を気をつけることで、かなり解消できるようです。

おかざき　モアレ、よく見かけます…。以前トーンを重ねていないのに、モアレたこともありました。拡大、縮小やアナログからデジタルへの変換の都合かなと思いましたけれど。

Ken太郎　先ほど説明した通り、印刷物は網点でできています。細かい目の網戸を想像してもらうとわかりやすいですが、2枚違う方向に重ねると、違う模様が浮き上がってきますよね。まさにあの現象で、規則正しく並ぶ網点同士が干渉して、「モアレ（干渉縞）」という独自の模様を、印刷物に浮き上がらせてしまう。典型的なのはトーンの重ね貼り、いわゆる「ダブルトーン」です。線数の違うトーンを重ねると、点が接触しているところと離れたところの重なりによって、印刷後にほぼ確実にモアレが発生します。データ上では目立たなくても、印刷してみると出てくることが多いですね。

＜（ダブルトーン違う線数）モアレあり＞

おかざき　トーンの線数が同じなら、モアレは出ないと考えていいですか？　例えば、同じ線数で網点10％と20％のトーンを重ねるとか。

Ken太郎　同じ線数を同じ傾きで、点と点が接触しないように重ねればモアレは出ないはずです。同じ線数でも、貼るときに角度がずれるとモアレが発生することがあります。

＜（ダブルトーン同じ線数、同じ角度）モアレなし＞

＜ダブルトーン（同じ線数違う角度）モアレあり＞

Ken太郎　ただ、掛け合わせて出る柄はもちろんあります。僕の考えとして、作者が意図的に重ねたトーンは独自の柄が出てもオーケーとし、いじりません。

青木　意図的にモアレを出そうとする場合もありますからね。

うめ小沢　雑誌だと、多少荒れていても“味”に見えたりするし。

Ken太郎　そのほか、細いストライプや水玉といった模様は、印刷の際に網点が干渉しやすい。あと多いのは、入稿時の原稿サイズと印刷サイズが違うために縮小したり、漫画家さんがトーンを貼った後に拡大・縮小・回転したりする場合。網点が変形すると、モアレが起きやすくなります。原稿は基本的に二値化した後にいじらず、原寸で入稿すること。これは、モアレを防ぐことにつながります。

K野　あとは、データにアンチエイリアスがかかっている場合も、モアレが出ます。モニターで見る分には問題ないですが、印刷物にすると、モアレの原因になります。

青木　アンチエイリアスって要するに、デジタル画面で線を滑らかに見せるための補正技術ですよね。文字や模様の輪郭にグラデーションをかけて、きれいに見せる。

Ken太郎　グレースケールで入稿された原稿を、製版時にRIPを通して網点化したときに、モアレが出るというのがよくあります。基本的には、モノクロで印刷する原稿には、入稿時にアンチエイリアスを外すように設定してください。

＜アンチエイリアスがかかった原稿RIP前＞

＜アンチエイリアスがかかった原稿RIP後＞

青木　あと、グレースケールの上に網点を置いている原稿。これはきっと面倒でしょう。

K野　おっしゃる通り。しかも、こういう原稿が最近増えていて、とても悩ましい。

Ken太郎　最初からグレースケールで届いた原稿は、一括処理で網点化します。媒体にあわせて、何線の網点化が必要かを計算し、RIPを通す。その際、網点の角度を15度とか22度とかに少し変えてあげることで、規則性が崩れてモアレが発生しにくくなります。こういう細かい調整を行いながら、全体を一気に二値化し、作業を進めていきます。厄介なのは、いまおっしゃったような、二値化されている原稿の中にグレースケールが混じっているパターン。１箇所だけグレーになっているところを見つけ出して、修正しなくてはいけない。この作業は時間がかかりますね。

＜グレースケールにトーンRIP前＞

＜グレースケールにトーンRIP後＞

稚野　グレースケールとトーンの混合というのは、アナログ原稿を作っている私たちには関係のないことですか。

Ken太郎　そうですね。ただ、アナログでも、薄墨の上にトーンを貼る場合があります。実は、こういう原稿はすごく製版の作業が大変で……。薄墨はグレースケールと同じで、網点化が必要なんです。なので、スキャニング後データ上で、スクリーントーンが乗っているところを切り抜いて、薄墨を網点化して、もう一度貼り直しています。これも、かなり作業量が多いです。

おかざき　薄墨は、アナログだけど2値化しないと印刷に向かないんですね。ハイライト製版やオフセット印刷でないと綺麗に再現できないと聞いたことはあります。

２章まとめ

・トーンを重ねるときは、線数を合わせよう

・原稿を2値化したあとに大きさや角度をいじると、モアレが起きやすい

・モノクロ印刷用の原稿にアンチエイリアスをかけると、モアレの原因になりやすい

・はじめに〜漫画家が「原稿を渡して終わり」の時代は終わった

2019年、ゴールデンウィーク。世間が10連休の中、東京都心の某マンションに売れっ子漫画家が続々と集まってきます。〆切に追われる先生方が一堂に会するのは、かなり珍しいこと。こんな状況が実現したのは、「漫画家・製版勉強会」が開催されたからでした。

“製版”とは、なんぞや――。多くの漫画家、そして編集者ですら、そのプロセスをよく知りません。漫画家は編集者に原稿を渡し、編集者はその原稿を印刷所に渡す。その「先」で何が起きているのかは、知らなくてもなんとかなる。いや、なんとかなって来たのが、これまでの漫画業界でした。

しかしいま、漫画制作にデジタル化の波が押し寄せる中、このプロセスを知らないゆえの不都合が起き始めています。漫画を描く手段が増えるのはいいことですが、そのことによって、原稿の中身がバラバラになるという弊害が出ています。手描き原稿、すべてパソコンで制作された原稿、デジタルで描いたものにペン入れをした原稿、ある程度までアナログで描いてからスキャンしてデジタルで仕上げた原稿――。デジタルといっても、漫画家がソフトを使って「なんとなく」学んでいったことで、統一基準はありません。アナログとデジタルの混合だけでなく、デジタルの中身を見ても、データの形式や解像度などがバラバラの状態になっているのです。

実はこうした状況を受けて、最もしわ寄せを受けているのが製版の現場です。製版とは、原稿が印刷される前の版下を作る仕事。つまり、受け取ったデータを整え、印刷に適したものに変換する仕事です。アナログ時代には、原稿の形式は1つでした。しかし、いまはさまざまな原稿が来るため、製版の作業が複雑になっています。原稿がそのまま印刷物に反映されず、モアレや線が細くなる現象が起きるのは、ここでの作業が困難なことが原因です。さらに、製版現場での手間、コストがどんどんふくらんでいます。それを現場ががんばって吸収している状態ですが、長く続くとは思えません。これは、製版現場だけの問題ではありません。入稿する側が「製版しやすい原稿」のルールを守れば、解決することがたくさんあります。しかし、これまでは漫画家・編集サイドが「原稿を渡して終わり」だったため、製版・印刷サイドとの間のコミュニケーションが足りず、問題解決に至らなかったのです。

こうした状況を受けて、漫画家のおかざき真里先生が呼びかけ人となり、製版のベテラン・Ken太郎さんを講師にお迎えし、「漫画家・製版勉強会」が発足しました。勉強会では、たくさんの声が上がりました。

「デジタルに変えてみたものの、このやり方であっているの？」

「入稿に関する業界標準って、ないの？」

「手描きのままだけど、いずれデジタル化しないと、誰も作業してくれなくなるの？」

こうした声はおそらく、多くの漫画家が抱えている悩みではないでしょうか。

漫画家はみんな、必死の思いで原稿を作っています。だからこそ、原稿がきちんと印刷に反映されるかどうかは、切実な問題です。ぜひこの勉強会の内容を通して、製版のプロセスに興味を持ってみてください。製版の現場と一緒に解決策を探っていかないと、印刷の問題が改善できず、漫画全体のクオリティーも上がっていかないでしょう。

ここに出てくるやり方は、個人の見解に基づくものです。実際の現場では、もっといろんな工夫がなされていると思います。「100％正解」とは思わず、でも大いに参考にしてください。明日からのあなたの創作に、この勉強会のお話が役に立ちますように。

漫画家製版勉強会一同

・登場人物紹介

●Ken太郎／今回の製版側の先生。写植時代から製版の仕事をし、同人誌から大手出版社の刊行物まで幅広く手がけるベテラン。ミュージシャンでもある。

●K野／DTP、印刷技術に詳しい業界内部の専門家。Ken太郎さんのサポート役として参加。「製版と漫画家がお互いにコミュニケーションが取れていれば、防げるミスがあるはず」との問題意識を持つ。

●おかざき真里／漫画家。博報堂在職中の1994年にデビュー。代表作は『サプリ』『阿・吽』（『月刊スピリッツ』で連載中）など。今回の「製版・漫画勉強会」の発起人。

★デジタル度合／連載２本のうち、１本はフルアナログ。１本はフルデジタルで、「CLIP STUDIO PAINT EX（以下、クリスタ）」を使用

●うめ／シナリオ担当・小沢高広、作画担当・妹尾朝子からなる二人組漫画家。代表作は『東京トイボックス』シリーズなど。「cakes」で『ニブンノイクジ』などを連載中

★デジタル度合／フルデジタル。「Photoshop」、最近はiPad Pro版のクリスタも使用。背景には、「SketchUp」という３D モデリング・ソフトウェアを使用。かなりデジタルに詳しい。

●なかはら・ももた／漫画家。1991年にデビュー。NHKの連続テレビ小説『半分、青い。』のスピンオフ漫画『半分、青っぽい。』を「cakes」で連載、書籍化。『まんが王国』で『あの日、世界が終わっても』を連載中

★デジタル度合／フルデジタル。「Comic Studio（以下、コミスタ）」を使用

●稚野鳥子／漫画家。OLを経て、1988年にデビュー。代表作は『東京アリス』『クローバー』など。『Kiss』で『月と指先の間』を連載中

★デジタル度合／フルアナログ。iPad Proを購入し、次の一歩に備えている

●上田倫子／漫画家。1986年にデビュー。代表作は『キッスは瞳にして』『リョウ』など。漫画アプリ『マンガMee』で「蘭と葵」「裸足でバラを踏め」連載中。

★デジタル度合／フルアナログ。手描きの技術は上がっているが、デジタル化の波も気になる

●高河ゆん／漫画家。同人誌で『魔王伝』などのブームを巻き起こし、1986年に商業誌デビュー。代表作は『アーシアン』『LOVELESS』（『コミックZERO-SUM』で連載中）など

★デジタル度合／ペン入れしたものをデジタルで仕上げていたが、最近クリスタを使い始め、フルデジタルに移行

●末次由紀／漫画家。1992年にデビュー。代表作は映画化もされた『ちはやふる』（第2回マンガ大賞2009を受賞、『BE・LOVE』で連載中）。

★デジタル度合／Photoshopの導入は早かったが、その後、原画展などでアナログ原稿が必要となり、手描きに戻っている

●ひうらさとる／漫画家。1984年にデビュー。代表作はドラマ化もされた『ホタルノヒカリ』。現在、『Ｋｉｓｓ』で続編の『ホタルノヒカリ　ＢＡＢＹ』を連載中

★デジタル度合／フルデジタル。城崎に住んでいるため、東京との移動中にiPadで作業することも。クリスタを使用。

●青木俊直／漫画家。最近ではキャラクターデザイナーとしてアニメ映画「きみの声をとどけたい」テレビアニメ「ひそねとまそたん」ゲーム「がるメタる！」などに関わる。近著に『青木俊直のどこでもiPad Proゆるゆるおえかき術』

★デジタル度合／フルデジタル。iPad Pro（最近はiPad Miniも）を持ち歩き、制作している。クリスタと「Procreate」を使用。デジタルにかなり詳しい

※この記事では、漫画制作ソフトの表記を「CLIP STUDIO PAINT EX＝クリスタ」「Comic Studio＝コミスタ」で統一しています。

・１章　「グレースケール」と「網点」の違い

――それでは勉強会を始めましょう。著名な先生方がずらっと座っていらして、壮観ですね……！最初に、簡単なアンケートを取らせてください。みなさんの現在の入稿方法を伺います。「紙のアナログ」「デジタルでグレースケール入稿」「デジタルをドット（網点）にして600dpiで入稿」「同じく1200 dpiで入稿」、４パターンのうち、どれに当てはまりますか。

（それぞれ、バラバラと手が上がる）

――なるほど、最後の「1200 dpi」はあまりいないかな。それ以外はバラけていますね。手描きのお話は後で伺うとして、急増しているデジタルでの入稿に、正解ってあるんでしょうか。いま少し聞いただけでも、みなさんバラバラなようです。

Ken太郎　僕が考える理想の入稿をざっくり申し上げておきますね。デジタルデータで、紙の印刷に適した入稿とは、どんなものか。

まず、刊行される本の体裁の基本枠と、原稿の基本枠が同寸１：１であること。基本枠（基準枠ともいう）とは、印刷の断ち切り線の内側に置く枠です。セリフや表情など、漫画の重要な情報はこの枠の中に描くというルールがあります。

さらに、データ作成時の解像度は600dpi以上に設定し、主線の太さは0.3mm以上。スクリーントーンは60線。塗り足しは、本の判型の6mm以上ほしい。これなら、初版時でのモアレ、線のかすれ、絵柄潰れなどのリスクはぐっと減るはずです。もちろん印刷物なので、最終的な出方は紙質、インクのノリでも左右されますが。

製版側としては、原稿にできるだけ手作業を加えないことーー誤って消したり、加筆するリスクがないことを何より望んでいて、おそらく漫画家さんたちもそれは同じだと思います。

――今回の勉強会で学ぶ、最終的な「入稿の理想」はこれだということですね。このゴールを頭に入れつつ、細かい点を詰めていきましょう。そもそも手描きの方にとっては、デジタルで原稿を作る際の「グレースケール」「網点（あみてん）」という言葉がよくわからないと思います。

Ken太郎　そうですね。これは印刷の基本に関わることですから、しっかり理解してほしいです。そもそもの出発点として、「印刷物は網点でできている」ということを頭に入れてください。印刷物を見ると線や色が写っているように見えますが、それらはすべて、細かい点の集合でできています。わかりやすいのが、新聞の写真。虫眼鏡で拡大して見ると、大小の点が網状に規則正しく並んでいるのがわかるはずです。これは、画面上で拡大した写真です。画像を構成する網点が見えますよね。

モノクロ印刷は、白い紙に黒い点を並べて絵柄を表現します。色を濃くしたい場所は点を大きく密度を上げ、逆に、薄くしたい場所は小さくして密度を下げる。そうすると人の肉眼では、黒い点が占める割合が多ければ多いほど、濃い色に見えます。網点の比率をパーセントで表したものを「網点％」といい、網点が100％の部分は黒ベタ、数値を低くしていくとグレーを表現、もっと数値を下げていくと白に近く見えます。

このように、２色の階調（グラデーション）だけを使ってビジュアルを構成する方法を、「二階調」または「二値」と呼びます。それが白と黒の場合は、「モノクロ二階調」「モノクロ二値」と言う。カラー印刷の場合は、「C（シアン）・M（マゼンダ）・Y（イエロー）・K（ブラック）」それぞれの二値データを組み合わせ、色の濃さやバリエーションを表します。

ちなみに、ここでいう印刷とは、印刷版を作ってインクを乗せ、紙に転写する印刷のこと。データをパソコンからプリンターに送り、そのまま印刷する「オンデマンド印刷」は別の仕組みであり、漫画雑誌や単行本などの商業印刷にはあまり使われないため、今回は除外して説明します。ここまでは、理解していただけましたか？

おかざき　はい、ここまでは……。

Ken太郎　僕たちがふだん手がけている「製版」とは、印刷の原本（版下）を作ることです。つまり、原稿を元に、印刷にふさわしい網点のデータを作る。これを「二値化」といい、現在この作業はほとんどパソコン上で行われています。雑誌が最もよく売れていた時代は「写真製版」といって、原稿を巨大な専用カメラで撮影し、フィルムに焼き付けて版下を作っていました。かなり昔のことですね。

K野　ちなみにこれは、印刷に限った入稿のお話です。電子書籍では印刷の必要がないので、必ずしも二値化は必要ありません。黒と白に分けなくてよいので、中間色であるグレーがそのまま表現できます。このようにデジタル画像で、細かいグラデーションを使って表現する方法を「グレースケール」と呼びます。漫画でいう「薄墨」のようなものですね。通常、デジタルで作った原稿をそのまま電子書籍にするのであれば、グレースケールでデータを製作し、そのまま入稿でいいわけです。

Ken太郎　漫画の原稿はもともと、印刷の二値データをまねて作られたんです。濃淡や模様を表現するために貼る「トーン」って、原理は網点と一緒なんですよね。あれはもともと、印刷で網点化するような模様を、原稿を描くときに最初から作る手段として発明された。だからアナログ時代の漫画の原稿は、すぐ印刷にかけられる版下を作っていたと言っていい。

いまは、アナログの作業をデジタルに置き換えるようになりました。それだけならいいのですが、漫画の作り方自体はアナログ時代の踏襲で、それをデジタル上でやっているので、話が複雑になる。漫画制作ソフトで「モノクロ二階調」を選ぶと、「トーン化」というのが出てきますよね。これがまさに、デジタル上で二値データのトーンを再現しようという仕組みです。

高河　グレースケールで製作して二値化するか、最初から二値で作るか。または、印刷物でもグレースケールで入稿する方もいますよね。このあたりはどれがいいんでしょう。

K野　おそらく、作風にもよると思うんです。グレースケールとトーンはかなり出方が違うので、トーンに慣れた方は「グレースケールだと自分の作品じゃなくなる」と感じることもあるでしょうから。

うめ小沢　グレースケールってなんかぬるっとした感じがする。それが気持ち悪いという作家さんの気持ち、わかります。そういう場合は、モノクロ二階調で作ればいい。僕の場合はグレースケールで作って、入稿段階で印刷用とデジタル用を分けています。印刷用には二値化したデータ、電子書籍にはそのままグレースケールで入稿という風にしていますね。

Ken太郎　それはベストなやり方です。いまは電子書籍の対応も必須だと思うので、まずはグレースケールでデータを作っておく。そして印刷用には、二値化してモノクロ二階調のデータを作り、どんな仕上がりになるかを確認した上で入稿する……といのが理想です。でも、漫画家の方々の修羅場を考えると、ちょっと手間がかかりすぎですかね。もちろん、グレースケールのままで入稿したものを、製版側で二値化することもできます。それはケースバイケースです。

青木　そもそも、漫画家が編集さんに送るデータにはいろんな形式がありますよね。PNGやTIFF、psdなど、人によって結構違う。製版の側で「これがいい」というのはあるんですか。

Ken太郎　製版の立場からすると、推奨したいのは「TIFF」です。あとで説明しますが、最終的な版下のデータってTIFFになるんです。だからあれこれいじらずに使えるし、そもそもTIFFは圧縮率が高くて扱いやすいデータですよね。

ただ、大事なのはデータの中身なので、最終的なデータ形式にそこまでこだわっているわけではありません。実際のところ、印刷会社にもよりますが、僕の会社では「PDF」や「eps」形式、最近では「psd」形式の画像ファイルも受け取って作業しています。難点を言うと、PDFはブラックボックス化していじりづらい。また、以前は主流だったepsはデータが重く、Adobeも最近はpsdを推奨しています。そう考えると、「最終的にはTIFFデータになるのだから、素直にTIFFで入稿」。または、「扱いやすくデータも軽いpsdで入稿」。この2つを推奨する場合が多いのではないでしょうか。

なかはら　このままいくと、epsでの入稿はなくなりますか？

Ken太郎　うーん、なくなりはしないでしょうけど、製版からすると“扱いにくいデータ”になっていくでしょうね。epsは種類が色々あって、例えばIllustratorから書き出したデータだという情報が、一度開いてみないとわからない。僕はその点が、ちょっと嫌だなと思ってしまう。

ここで少し、われわれがどういう風にデータを作っているかをお見せしましょう。製版では、届いたデータをチェックして、ゴミを取ったり余計な線を消したりといった作業を行います。データが整ったら、印刷機械に合わせて折ごとにページを配置し（面付け）、最後に「RIP（リップ／Raster Image Processer）」という機械に通します。これは何千万円もする高額の機械なんですが、見た目はまあ、パソコンですね。僕らが作業するのはこんな感じで、決まった設定のフォルダにデータを放り込んでいきます。

（RIP作業中のパソコン画面）

うめ小沢　おお〜！RIPの作業って初めて見た。 噂には聞いてましたが、RIPってすごい便利なんです。例えるなら、電子レンジみたいな機械。レンジって、600Wで1分30秒とかを設定して放り込むと、その通りに温めてくれるでしょ。RIPも同じで、設定ごとにフォルダを作って、そこに放り込むとその通りのデータに変換してくれる。

なかはら　わかりやすいですね！

Ken太郎　その通りです。フォルダの設定は「線数」と「解像度」ごとに分かれています。線数というのは、１インチ（約2.54cm）あたりの網点の数です。線数が高いほど網点は目立たず、印刷がなめらかに、美しく仕上がる。線数は媒体によってだいたい決まっていて、漫画雑誌は65線。グラビアのようなカラーページだと175線、通常の書籍はだいたい133線ですね。それに解像度を組み合わせて、「65線印刷で1200dpi」「133線印刷で2400dpi」といった設定にする。整えたデータをこのフォルダに入れて、出てきたものが印刷に回ります。そのときの形式が、TIFFなんですね。

（グレースケールを65線印刷・1200dpiに変換したTIFFデータ）

（グレースケールを133線・2400dpiに変換したTIFFデータ）

おかざき　製版とひとことで言っても、随分いろんな作業があるんですね。

Ken太郎　そうですね。僕らの作業って、出版社から届いた原稿を印刷機にかける手前にある、最後の人力作業。そういう意味では版下作りと同時に、チェック機能としての役割を担っています。あと、「時間を縮める」意味でも最後のトリデです。印刷機は確保してあるから、その時間はずらせません。原稿が遅れたとき、最後にどれだけスピードを上げられるかは、僕たち次第なんです。原稿が遅れて臨戦態勢のときは、まだ原稿が届いてないのに、「何時に作業できますか？」と聞かれたりしますから……。

おかざき　みなさーん、締め切りは守りましょうね！（笑）

Ken太郎　実はそれが、製版にとっていちばん助かることかもしれません！（笑）

１章まとめ

・印刷は「網点でできている」という基本を押さえよう

・製版にとって扱いやすいデータは二値画像か、スクリーントーンの無いグレー画像

・印刷は「モノクロ二階調」、電子は「グレースケール」での入稿が理想

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Medibang Paint、CLIP STUDIO PAINT for iPad、CLIP STUDIO PAINT を解説していく予定です。

ぜひ参考にしてください！

このページではCLIP STUDIO PAINT for iPad での入稿方法を解説します！

0. CLIP STUDIO PAINTを使う前に必要な準備

ダウンロードした原稿用紙はzip形式です。zipファイルを開くには別途アプリをインストールしなければなりません。無料のアプリであるDocumentを推奨します。手順については以下のリンクを参考にしてください。

Documentsのダウンロード

http://necojita.com/2018051313941

また、iPadに保存された画像やファイルを直接開いてCLIP STUDIO PAINT for iPadで編集することはできません。よって、Documentsを経由してファイルをCLIP STUDIO PAINTにコピーする必要があります。

まず、Documentsを起動します。

該当ファイルを開きます。

「他のアプリで開く」を選択します。

「CLIP STUDIOにコピー」を選択します。

読み込みが完了しました。

1.【編集】から【キャンパス基本設定を変更】をタップします。

2.単位をmmに変更し、「漫画原稿設定」にチェックをいれます。

3. 裁ち落とし幅を[3.00mm]、基本枠(内枠)を[幅150mm 高さ220mm]に変更します。

4. 基本表現色を[モノクロ]に変更します。この時すぐ横にある黒と白のボックスがどちらも選択されている(青くなっている)ようにしてください。

5. このように基本枠(内枠)、トンボが設定されます。

※基本枠(内枠)とは…下図に示した赤い点線のことです。この線より内側が製本した際に読みやすい場所のことです。内枠よりはみ出して描くと製本をしたあとに切れてしまったり、綴じられて見れなくなってしまう事があります。

※トンボとは…原稿用紙の上下(天地)左右、および四隅などにある線のことです。印刷物を作る際に、印刷するときの位置合わせや、断裁(印刷紙のいらない部分を切り落とすこと)の時の目印にしたりします。

6. 描きます。※マンガQはモノクロ印刷を致しますのでカラーは使用しないでください。

7.【ファイル】から【画像を統合して書き出し】、[TIFF形式]を選択します。

8. ファイル名「タイトル，ページ数」をつけます。

9. 「出力イメージ」は[テキスト]のみにチェックを入れ、出力範囲を[ページ全体]、表現色を[モノクロ2階調]に変更します。

10.解像度を[600]に、[コミック向け]に変更します。

11. プレビュー後、書き出されます。

お疲れ様です！これで一枚完了しました！

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Medibang Paint、CLIP STUDIO PAINT for iPad、CLIP STUDIO PAINT を解説していく予定です。

ぜひ参考にしてください！

Medibang Paint での入稿方法

1.立ち上げます。

2.ダウンロードしたファイルを選択します。(Medibang Paintはpsd形式しか読み込めませんので、psdファイルをダウンロードして下さい)

3.選択したファイルをドラッグ&ドロップします。

4.読み込まれました。

このままだと内枠がないので描きづらくなってしまいます。

5.内枠を設定します。【表示】から、【漫画原稿ガイド設定】

6.〈テンプレート〉は「同人誌B5仕上がり」を選択します。

7.「はい」を選びます。

8. この作業により、下図の赤線で示したように内枠が設定されました。

※内枠(基本線)とは…この線より内側が製本した際に読みやすい場所のことです。内枠よりはみ出して描くと製本をしたあとに切れてしまったり、綴じられて見れなくなってしまう事があります。

9. 描きます。※マンガQはモノクロ印刷を致しますのでカラーを使用しないでください。

原稿が完成しました。

10.【ファイル】から【ラスタライズ】を選びます。

11.〈出力〉で「モノクロ二階調」を選択します。

12.〈出力範囲〉は「トンボまで」を選びます。この時、「レイヤーカラーを黒か白に強制する」「テキストレイヤーを除外する」にチェックを入れる必要はありません。

13. ラスタライズが完了しました。この作業により下図の赤丸で示したようにトンボが残せました。

14.【ファイル】から、【書き出し】を選びます。

15.〈ファイル形式〉でTiFF形式を選びます。

16.「以下のサイズ内に収めて保存」「解像度を変更する」にチェックする必要はありません。デフォルト設定ではチェックが入っている状態ですのでこれを外します。また、「圧縮しない」になっていることを確認して下さい。

17. 名前をつけます。「〇〇(タイトル名),ページ数」をつけて下さい。

原稿一枚が完成しました！これを繰り返していきます。

はじめまして、本サービスの代表の萬田大作（@daisakku）と申します。

事業を立ち上げて約1年が経ち、この半年間考え抜いた結果、

社名及びサービス名を『コルクBooks』から『コミチ』に変更することに致しました。

僕の強みは「エンジニア力」です。

テクノロジーの力を使って、僕の人生を才能のあるクリエーターをサポートすることに使う。

そう考え、コルク代表・佐渡島庸平（通称、サディ）率いるクリエーター・エージェント『コルク』にCTO（最高技術責任者）として参画しました。

サディと2人でコルクに在籍した約2年間、クリエーターのサポートができる仕組みについて話し合いました。

Netflixは、映像体験をデジタル化しました。

Spotifyは、音楽体験をデジタル化しました。

Facebookは、コミュニティ体験をデジタル化しました。

つまり、デジタルの力をフル活用することにより、新しいエンターテイメント体験を作ったのです。

僕らも、マンガをデジタル化することによって新しい体験を作りたい。

そういう思いから、コルクのCTOをやっていた僕は、（コルクとは別に）漫画家のコミュニティ・プラットフォームである『コルクBooks』という会社を立ち上げました。

そしてこの1年間、僕はたくさんの漫画家さんにお会いし、漫画家さんの『不満・不便・不安』とは何か？を考え続けました。

立ち上げから現在までの僕のKPI、つまり最重要目標は「漫画家さんに会った数」です。まずは実際に多くの漫画家さんとあって、話して、マンガを描く環境とその作品を伝える手伝いをするために、何が必要なのかを学ぶ必要がありました。そうして、毎月の講座・企画会議・マンガQ・コミティアなど様々なリアルイベントやオンライン・ミーティングを重ね、この1年間で300名以上の漫画家さんとお話させていただきました。

そこで感じた一番の課題は「漫画家がマンガを描くこと以外の作業が多すぎる」ことです。

そのために、『コルクBooks』という社名とサービス名を変更し、漫画家さんが一番困っているマンガ制作のデジタル化をより強化したいと考えたのです。

漫画家がマンガを描くことだけに集中できる環境を作る！

そして執筆活動以外の全てを僕たちがサポートしたいと考えています。

改めて、僕たち『コミチ』が強化、提供するサービスは3つです。

（1）Collaborationツールの提供で「マンガに集中」

　原稿管理や編集をデジタル化するためのCollaboration（共同制作）ツールを提供します！

　漫画家さんのためのデジタルツールは沢山ありますが、チームで働くためのツール開発がまだまだ進んでいないと感じました。

　マンガという表現作品は「一人で作り始めて一人で作り終えることができる」という特徴もありますが、しかし近年、そうした作品ばかりではなく、誰かに手伝ってもらったり、連携して作り上げる漫画も増えてきています。

しかし、その共同制作のためのノウハウはほとんどデジタル化されていません。

　例えば、「原作と作画など複数制作で原稿はどうやって管理するか？」「著作権はどうするのか？」、「アシスタントはどうやって手配するのか？」など漫画家各々が一から調べることが多すぎます。

　また編集者も複数の漫画家や、共同制作が進んでいるなかで、管理するものが多すぎると感じました。

　エンジニアの世界はデジタル化が得意なので、そのようなサポートを提供しているツールが沢山あります。

　エンジニアが普通に使うツールを漫画家・編集者向けするCollaborationツールを提供したいと考えています。

（2）Communityで「マンガが上手くなる」

　オンライン版の漫画家コミュニティ＝「トキワ荘2.0」を作る！

　この気持ちは創業当初から変わっていません。

　コルクBooks改め、コミチに登録頂いている漫画家361人の切磋琢磨できる友がいるからこそ、マンガが上手くなると思うのです。

　なので、オンラインコミュニティや、お題マンガ・ラリー・イベントを行うことで、マンガ上達のサポートはしてきたいと考えています。

（3）Integrationで「マンガを広げる」

　読者や企業とのIntegration＝連携をサポートする。

　漫画家さんは自分自身でマンガを持ち込んだり、SNSで作品の宣伝や流通を工夫したり、広告主と会って打ち合わせして詳細を詰めて広告のお仕事をとってきたり、創作活動以外の作業が多すぎます。

　なので、僕らは漫画家専用ホームページによるプロフィールサイトの提供、TwitterやInstagramなどのSNS運用のサポート、出版社やマンガサービスへの漫画家の紹介、企業・メディアへのお仕事紹介で、マンガを広げるサポートを加速したいと考えています。

『コミチ』にかける思い

新社名および新サービス名『コミチ（comici）』とは、ラテン語で『マンガ』という意味です。

マンガの道＝プラットフォームを作りたいという思いから、この名前にしました。

プラットフォームとは、土台という意味です。

鉄道で言えば、電車が出版社やマンガアプリ提供会社。

漫画家は車掌さん。

いろんな人（読者）を目的地へ運びます。

僕らはそんな漫画家を支える土台でありたいと考えているのです。

コルクとの関係性も今まで以上に強化していきます！

『コミチ』を利用することで、マンガ制作が楽になり、このプラットフォーム上で小さなチームなら活動を継続できる収入面の環境も整えます。

エージェント会社であるコルクとは、コミチで培った作品が大きくなり、グッズ展開や海外展開などよりプロデュースが必要な場合に、作品をプロデュースする会社として、今後も補完し合っていきたいと考えています。

これからもぜひ、『コルクBooks』改め、『コミチ』を応援してもらえたら嬉しいです！！！

2019年5月24日　株式会社コミチ　代表取締役社長　萬田 大作